4-3

壓縮器能帶來的 5 種效果

控制音量的，不只有推桿（fader）。
還有一種能自動幫你調整的便利工具，那就是 compressor（壓縮器，簡稱「コンプ」）。

我們重新來想想 compressor 的功能。
它的目的，是控制 dynamic range（動態範圍），而且本質上是要把動態範圍縮小。
它絕對不是什麼「會讓聲音變好」的東西。
雖然常常會聽到「用 compressor 讓聲音變厚」這種說法，但也不是隨便插上去就會自然變厚。
要在目的明確的前提下使用它。

Compressor 的用途

Compressor 主要有以下幾種用途。

1）壓掉 peak

**attack（起音）**有時刺激性太強，未必真的好聽。
適度地抑制 attack，就能讓聲音變得更好聽、更順耳。

2）讓顆粒整齊、讓電平平均化

像鼓組或打擊樂維持節奏、或吉他的 cutting 那種連續出現相似聲音的情況下，常常會讓人注意到音量不均。
把這些電平平均化，就能把聲音的顆粒整理整齊。

套在人聲或旁白上，讓每個字都聽得清楚，也是同樣的思路。

不過，打擊樂和人聲的差別在於：
前者更著眼於 attack，後者則更著眼於平均音壓。

另外，compressor 的基本想法，是把特別大的聲音壓下來，去靠近小聲音，藉此讓顆粒變整齊。
但反過來，也可以用「把太小的聲音拉近大聲音」的方式來達成同樣目的。
這種情況下，就不是用 compressor，而是用 expander（擴展器）。

4-3（續）

3）強調 attack

故意把 **attack time（起動時間）**設得稍微慢一點，讓起音先瞬間冒出來，然後再過一點點時間才開始被 compressor 壓住。
這樣一來，不只是起音的抬頭，連後面往下收的地方也會讓人感覺有 accent。
這是強化 attack 感、做出 groove 感的方法之一。

4）把餘韻撐起來

它也可以拿來把原本較短、較弱的餘韻，聽起來變得更長、更大。
做法是先把 attack 壓掉，然後在它開始回復的過程中，讓 gain 的變化走向與原音衰減的 **release curve（釋放曲線）**相反。
這樣就能讓人聽起來像是餘韻被拉長了一樣。
例如用在 tom 鼓上就很有效。
這種用途有時也會用 expander 來做。

5）做出音壓

它可以在不失真的前提下，幫助你把電平推高。
人耳其實不太會把很尖銳、很瞬間的 attack 當成「音壓感」。
所以，要讓人感到音壓，常常是把 attack 之後那段的電平抬高。

不過，若聲音本身有很極端的 peak，為了避免錄音或混音失真，你就不能把整體電平推到比那個 peak 還高。
因此，先把 peak 壓住，就能換來更高的整體音壓。

另外，聲音被壓扁的過程，也可能帶來接近類比電路失真的 saturation（飽和感），讓聲音變得更有 edge。

大致上，我們把 compressor 的用途分了類。
但請不要忘記：一旦掛 compressor，本質上就是在改變波形，也就是某種程度上的失真。

優秀的 compressor，確實可以在沒有明顯 distortion 感的情況下控制動態；
但只要你把 attack 壓掉，那本身就已經是在改變原始聲音，不再是原本的波形了。

所以，不要覺得「先掛 compressor 再說」就是正確處理，也不要以為「掛 compressor 是基本操作」。
很多時候，我們其實只是基於現實需要，不得不這樣做而已。
當然，也有像電吉他 distortion 那樣，刻意接受一點失真來換取某種聲音效果的情況，compressor 也可能被這樣使用。
再加上前面說的，人耳本來就不容易抓到很尖銳的 attack，所以有時候，把 peak 壓掉、把餘韻拉起來，反而會比「完全照錄下來原封不動播放」更接近你心裡想要的聲音形象。

這裡不詳細說 compressor 的工作原理和每顆旋鈕的機制，
但在 **analog compressor（類比壓縮器）**裡，不同電子電路確實會帶來不同的壓縮手感，例如：

• 真空管
• optical（光學式）
• solid state（固態式）
• analog tape（類比磁帶風格）

現在很多 plug-in 都在模擬這些東西。
就算你沒用過實機，也大概常在 plug-in 裡看過這些經典型號。

雖然它們是透過 DSP 來重現原本的類比機器，但其實你也沒必要死抱著「某某電路一定適合某某聲音」這種刻板印象。
例如「optical 適合某種素材」、「真空管型就是某種音色」——未必需要這樣想。
最重要的是你自己實際去試，然後判斷：你喜不喜歡它的壓縮手感。
這和挑樂器是一樣的。
不是先看品牌或材質，而是最後看聲音和演奏性。
plug-in 也是同樣道理。

另外，網路上其實有非常多不準確、甚至錯誤的資訊。
和這種經過專業編輯、審查、出版流程的書籍不同，很多網路文章沒有經過任何確認或把關，只是個人的自由意見，卻會被直接放到網路上。
出版社等機構負責出版的資料，和個人隨手發表的見解，可靠度差距非常大。
你要很清楚這一點，不要被那些資訊牽著走，而是用自己的耳朵做判斷。

Column：

關於 vintage 器材的想法

模擬 vintage 器材的 plug-in 很受歡迎。
只要聲音你喜歡，其實完全沒必要執著於那些不穩定的真機，大可積極使用。

但要注意的是，有些 plug-in 太過強調「重現」，甚至連類比電路的元件雜訊、電源雜訊都一起模擬進去。
這其實未必有太大意義。
有些預設甚至會把這種功能打開，結果反而變成不必要的噪聲來源，要小心。

另外，也有些效果器只是因為 vintage 風潮好賣，所以把外觀設計改得很像老機器，但聲音其實完全不是那回事。
不要被外表牽著走，應該用聲音來選。

再說了，vintage 原機本身也不一定就是理想答案。
例如作者提到自己在用 Vintech Audio / 609CA 這台 compressor。
它是模擬 NEVE / 33609 的機種。
作者其實連原版 NEVE 都有，但還是刻意選擇用 609CA。
理由很簡單：609CA 多了原版 NEVE 沒有的 attack time control（attack 時間控制）。
而且原版是 class A/B 電路，609CA 則是 class A，聲音方向也更符合作者喜好。

也就是說，真正好的東西未必只是「原樣複製」，而是吸收優點後進一步正統進化。

當然，vintage 器材確實有某種難以言喻的魅力。
但為了得到「真機」，花上大量的時間和金錢，未必值得。
真正麻煩的是穩定性。
作為專業工具，重要的是隨時都能安心使用，而且結果具有可重現性。
從這點來看，plug-in 非常方便，因為參數重現得很完整。

甚至，連 plug-in 自己都會變成某種「vintage」。
作者舉的例子是 Roger Nichols Digital (RND) / Dynam-izer。
這是一款非常劃時代的 compressor，它不是那種依頻段分開工作的 multiband compressor，而是從動態方向切成四個 zone 來處理。
它幾乎可以自由地塑造各種音壓層次。
但如今若想用它，幾乎只能靠 Pro Tools 9。

圖 A 說明：
現在幾乎只能在 Pro Tools 9 上運作的 Roger Nichols Digital (RND) / Dynam-izer。

唱歌時掛 compressor 的鐵則

在人聲錄音後半段，有時會因為嘴巴離麥克風變遠，導致某些段落電平掉下去，最後被伴奏埋掉，歌詞也變得難聽清楚。
遇到這種情況時，很多人會在 compressor 和 EQ 後面，再用 fader automation 去補。
但其實更好的做法不是這樣。

一般 mixer 的訊號流程通常是：

「compressor & EQ → fader」

可是，如果本質問題是因為歌手離麥克風變遠，所以音壓本身掉了，
那你就不該等經過 compressor 和 EQ 之後才靠 fader 去把電平撐回來，
而是應該在送進 compressor 之前，就先用 automation 把大致的電平補好。

這樣一來，compressor 面對 **threshold（閾值）**時的反應，才會和其他段落一致。
也比較不會出現某些地方音色突然變得不一樣，或者某些 attack 感莫名特別突出的問題。
其實市售 CD 裡，也有很多混音沒有理解這個原理。

compressor 的 threshold，和錄音電平有很深的關係；
而錄音電平，又和麥克風距離高度相關。
順帶一提，麥克風距離與音壓電平之間，近似符合距離平方反比的關係，
所以只要距離稍微改變，音壓就可能比你想像中變動得更大。
尤其是近距離演唱時，稍微離遠一點，就會造成相當大的電平變化。

因此，應該先利用 fader automation 去修正這些非預期的電平變動，再送進 compressor。
這樣 compressor 對音色造成的影響才會比較自然。
如果等 compressor 之後才修，因為壓縮量早就依照不同電平發生差異了，即使事後補電平，違和感仍然會殘留。

基於這一點，也不太建議「掛著 compressor 一邊錄一邊收」。
在真正做 mixing balance 之前，先用 fader 把因 compressor 掛法不同而造成的音色差異補正好，然後再開始抓整體混音平衡，會更理想。

每個 section 準備不同的 compressor

人聲在一首歌裡的存在感，是一直在變的。
甚至每一個字、每一個音都在變。
比如主歌一開始可能很柔和，但到了副歌又可能突然充滿力量。
你沒有必要把這一切硬壓成完全同一個電平感。

而且，如果從頭到尾都掛同一組 compressor 設定，原始電平差異一旦太大，壓縮效果就很容易變得不自然。
所以比較理想的是：不同段落用不同 compressor，或者用 automation 去改 compressor 參數。

這件事對 EQ 也同樣適用。
把歌曲按 section 拆開，為每個 section 準備一條專用 track，裡面插入適合那一段的 compressor + EQ，會很方便。

例如你可以做幾組：

• A 組：Verse 用
• B 組：Bridge 用
• C 組：Chorus 用

因為 vocal level 和當下 backing track 的平衡非常重要，
這樣做的好處是：就算混音到一半，某個段落的伴奏編制改了，你只要調整那一段專用的 compressor / EQ 就好。

另外，把這些不同 section 的 vocal tracks，全部送進同一條 vocal bus，也會讓後續處理更容易。
最好再把這些 vocal tracks 和從 vocal track 送出的 delay、reverb return，一起送到同一個 bus，並建立一條 vocal master AUX track 來接收它們。

如果 reverb return 沒有和 direct vocal 進同一個 bus，
那麼你一旦在 bus 上插 compressor，或用 fader 調整混音電平時，reverb 的反應就不會跟著一起變，最後就會聽起來很不自然。這點要特別注意。

兩段式 compressor

若把 vocal track 拆得更細看，你會發現：

• 最前面的 attack 最大聲
• 接著有稍微降下來、持續存在的 sustain
• 最後再慢慢衰減

另外，也可能有刻意唱得很弱的 **pianissimo（極弱）**段落。

你究竟是想強調 attack，還是反而想壓住它，
會讓 compressor 的處理方式完全不同。
曲風、伴奏編制、歌詞是日文還是外語，這些也都會讓設定差很多。

而現實中，你往往會同時有很多目標，例如：

• 控制子音的 attack
• 同時保留母音 sustain 的延續
• 修掉音壓感上的凹凸
• 用音量補正不同詞語本身的響度差
• 讓發聲或咬字不好的地方更容易被聽清

這些事情，很難只靠一顆 dynamics effect 一次全部完成。
所以作者建議：組合兩顆效果器或兩個 plug-in 一起用。

例如：

• 一顆負責 attack control 的 compressor / limiter
• 一顆負責整體音壓與頻段控制的 multiband compressor

這樣通常更有效。

一開始先比較淡地處理 vocal track，等之後真正進入混音階段再……

這一句在照片裡後面被截掉了。

圖 1：compressor 可調的主要參數

不同 compressor 機型能調的參數不完全一樣，但基本上大致有這些：

1. Threshold（閾值）

設定 compressor 開始動作的音量門檻。
當輸入音量超過這個值時，就會開始壓縮。
這個值越低，compressor 啟動的頻率就越高。

2. Ratio（壓縮比）

設定相對於原音，要用多大的比例來壓縮。
常見寫法像是 2:1、∞:1。
左邊那個數字越小，壓縮程度通常越淺。

3. Release Time（釋放時間）

設定訊號掉回 threshold 以下之後，到 compressor 解除作用為止所花的時間。
這個值越小，恢復得越快。

4. Attack Time（起動時間）

設定輸入訊號超過 threshold 後，要過多久 compressor 才開始作用。
這個值越小，compressor 就越早開始壓。